1.寫意畫的用筆方法

　　寫意畫的用筆方法，歷代畫家總結了很多寶貴的經驗，其中比較重要的是：“意、力、韻、趣”的用筆“四要”。

(1) 筆意
就是要意在筆先，畫家下筆時要心使腕運，以一種特定的情感、意念去驅使筆墨，才能因意成象，以象達意。筆意是用筆之總要，無意之筆是死筆。歷代畫家創造的藝術，所以能激動人心，主要是畫家在筆墨技巧中融進了激情和意趣。
(2) 筆力
就是運筆的力度感，是形式美感的重要因素。筆的力度感有兩種內涵：
第一是功力的力。所謂“力透紙背”、“筆能扛鼎”就是一種運筆功力的表現。表現運筆功力的程度有“老”與“嫩”之說。功力的老到，要有一個長時間的錘煉過程才能做到，所謂“學力到，心手相應；火候到，自無板、刻、結三病矣”。功力老到的畫家，即使柔細的線條，也能做到柔中有剛，棉里藏針，有內在的力度。而初學者，無論使多大的勁，筆痕還是稚嫩無力，所以，筆力是一個長期的功夫。

第二是氣力的力。屬于用筆技巧，只要掌握用筆的方法和規律，就能做到。運氣使力的方法，首先是下筆前的用意要有力，要全神貫注，凝神靜氣，然后以意領氣，以氣導力把全身的氣勁由臂至腕，由腕至指，再由指把力注于筆端，使勁力自然透出筆端。切忌表面的劍拔弩張、火氣十足。
(3) 筆韻

所謂筆韻，有韻味和韻律二種含意。韻味，就是要求通過用筆的輕重、虛實、剛柔、方圓、徐疾、頓挫等變化，求得畫面的統一與和諧。如同音樂一樣，有一個基調、一個主旋律。韻律是用筆要有運動感和節奏感。和書法一樣，講究線節奏，“側法如飛鳥翻然而下”，“勒法如勒奔馬之韁”，“輕如行云流水之變動”，“重如高山墜石之勢”。

(4) 筆趣
筆趣有意趣和天趣兩種含意。用筆有趣，才能使觀者賞心悅目，獲得美的享受，故筆趣乃是使畫產生形式美感的關鍵。用筆的意趣，在于巧妙地處理筆的生熟、巧拙、老嫩等關系。用筆熟而生巧，美則美矣，但會流于匠氣、市井氣。所以筆貴在熟而后生，由熟返生，“畫到生時是熟時”，才生意趣。用筆靈巧、奇妙，固然不易，但要警惕流于甜俗。所以用筆貴在古拙，由巧而到拙，純樸而磊落大方，乃生機趣。用筆的天趣，發于無意之筆，所謂“好筆、好墨偶然得”，是一種頓悟，靈感突發。求筆的天趣，固然與畫家的才能有關，更重要的是需依靠平時的學識、修養和長期的苦功。　
2.詩、書、畫、印的結合　　對于一幅傳統的中國畫來說，把詩、書、畫、印結合起來。似乎才表現得更為完整，更有特色。詩、書、畫、印結合，可以把幾種藝術融為一體，相互輝映，既能豐富畫面內容，又能擴大畫面境界，給人以更多的審美享受。這在西洋繪畫中是沒有的，這是中國畫的又一個特點。
詩、書、畫、印結合，是中國畫在發展過程中逐漸形成的。
　　在宋代以前，畫上是很少題字的，偶然有字，也只是在不顯眼的角落里，寫著作者小小的姓名；那時雖然也有題畫詩，卻不是寫在畫面上的。到了宋代，才有一些詩人兼書法家的畫家，開始在自己作的畫上書一段題記或一首詩。這樣，詩、書、畫開始結合起來，中國畫歷史發展中的文人畫也開始了萌芽。文人畫是中國繪畫史上的一個專有名稱，泛指中國封建社會中的文人、士大夫的繪畫，以區別于民間畫工和宮廷畫師的繪畫。到了元代，隨著文人畫的繼續發展，印也加入了詩、書、畫的行列，于是詩、書、畫、印就像四個孿生姐妹一樣，形影不離地完善地結合起來了，這一藝術形式一旦出現，就被當時的畫家們普遍采用。到了明情兩代，文人畫壟斷了畫壇，詩書畫印結合的藝術形式日臻完善。

　　在詩、書、畫、印的結合過程中，書與畫的結合恐怕要比其余兩種與畫的結合要早得多，這是由于中國的書畫工具相同，操作時又有許多共同之外的緣故。據說東漢的蔡匡就已是一個書畫兼能的文人了。書畫的結合包含有兩層意思，一是畫家本人就擅長書法，是個書法家，由于書畫同源，作畫時便自覺不自覺地以書入畫了，這既能顯示畫家的細致，又能表現書法家的飄逸。二是以書寫款或題字在畫面上，與畫面形象協調搭配。這樣書入了畫。就成為了畫中必不可少的一部分，構成中國畫的另一種形式美。中國畫中的以書寫款又叫做“落款”，一般來說是不可缺少的，就相當西洋畫中的畫者的簽名，表明了這幅畫的所有權。其他的題字，可以繪畫寫一個題目，一行自己想說的話，或一首詩，一段散文。其實題字是門很有學問的藝術，要有文學修養，題字不能隨隨便便，題字的內容要與畫面有著內在的聯系，讓觀畫者通過題字見景生情、抒發胸懷。或者引導觀畫者以畫為橋梁，生發開去，另拓天地，感念歷史的浩蕩或人生的哲理。同時，題字還要考慮到字體的形式、畫的內容和風格等。如一幅工筆畫就不能用狂草，一幅大寫意也不宜用正楷。字體的位置要恰到好處，要讓人感到上去一點或下來一點，增加一個字或減少一個字都會不妙，這就是恰到好處了。總之，要求字與畫面統一、和諧，增加畫面的形式美。
詩與畫的結合也是隨著書與畫的結合而出現的，那就是出現了喜歡作詩或作詞的畫家，而書法又寫得不錯，這樣他就用不錯的書法把他的詩書到他的畫上了。繪畫史一般把王維看成是詩畫結合的創始者。說他是一個“詩中有畫，畫中有詩”的代表人物。這己是一個很高的評價了。不過這有賴于蘇軾對他的鼓吹，蘇軾也是一個詩畫結合的積極倡導者和實踐者，后人又評價蘇軾，說他“以詩為有聲畫，畫為無聲詩”，這也是一個恨高的評價。看來王維和蘇軾便是詩畫結合當之無愧的典范。
　　詩畫作為兩門藝術，各有長處與短處，兩者結合起來，便能取長補短。畫表現的事物直觀、具體、真實、便于領略，但它要受時間和空間限制，只能選取某一瞬間的靜止狀態；而詩則不受時間和空間的限制，可以寫事物在不同時間、不同地點的發展變化，天上地下，古往今來，東西南北，自由馳騁，容量比畫大得多。把詩與畫結合起來，可以使靜止的畫面活躍起來，畫面的容量膨脹起來。而詩也有了形象的憑借，想象的依托，因此，詩與畫的結合使二者交相生輝。

　　畫上題詩題款，也可以起到點題的作用。如人們面對一幅山水畫或花鳥畫，有時就很難猜透畫者的心思，但通過畫上的題詩題款，就比較容易把握作者的意圖。如宋代有名的皇帝畫家趙佶畫的《瑞鶴圖》，畫上只有20只丹頂鶴繞殿飛鳴，晴空中有浮云飄動，雖然觀畫者可以從畫中感受到一種輕盈舒朗之氣，但是畫家是否是要想表達出一種什么思想呢？只憑觀畫是很難領悟的，但是只要結合畫上的題詩書款，就一目了然。原來是趙佶當政的某一夭，突然有一片祥云飄來皇宮，繞柱附殿，眾人皆仰而視之。驚奇之余，又有群鶴飛鳴于空中，與祥云融為一體，經久不散。從畫的題詩題款中，以及已有的歷史知識。
我們可以領悟到畫家的這樣一種思想：在北宋內優外息的嚴峻時刻，畫家祈求上帝降下祥云，以挽救宋王朝的危亡。但這當然只是可憐的皇帝畫家的一種自欺欺人的幻想了。
　　談了詩書與畫的結合，我們再來看看印。印，就是印章，最初只是一種信物，與畫沒有關系的。宋代有人開始把印押在了畫上，但那也是作為一種印證之用，以表明此畫的所有權。印可以是作畫者的，可以是鑒賞者的，也可以是收藏者的。印沒有成為畫面不可缺少的組成部分，就是還沒有入畫。到了元代，由于水墨畫的興起，占其余畫種的絕對壓倒優勢。由于水墨畫上只有黑白二色，或只是黑白的濃淡變化，顯得有一些沉悶，于是一種朱文印章出現了。朱文印章押到畫上已不僅僅是一種信物的標記，它已成為畫面必不可少的組成部分，起著活躍畫面氣氛的作用。

　　一般說來，一個中國畫家的印章是很多的，概括起來有三種，第一種是姓名章，這是畫家們最常用的。古代畫家的名字，別號往往有好幾個；姓名章呢，習慣用兩顆，白文章刻姓名，朱文章刻別號。第二種叫齋館章，是表示畫家住處的。中國古代的文人都愛給自己的住處取個什么齋，或什么館的名。第三種叫閑章，大都是刻一句成語，格言或畫家的主張，真是五花八門，豐富多彩。如“師造化”、“行萬里路”，是表示畫家主張師法自然，反對刻意臨摹的。如“孺子牛”、“江山多嬌”等是表示一種奉獻精神和反映時代特征的。但這種印章一般都要與畫的內容有所聯系。
　　同時，印章押在畫上，還要與繪畫在形式上緊密結合。印章在篆刻時講究字體、刀法、風格，是一門獨立的藝術。但是印在畫上，就成為了畫面不可分割的部分了。因此，蓋印的時候也要非常考究，要考慮整幅畫的構圖、色彩，要起到呼應、對比、配合的作用。有時候畫的一面空了些，另一面又重了些，顯得有些不穩，在顯得空的一面適當地蓋上一印，用朱紅的色彩一壓，畫面就穩住了，會起到意想不到的效果。

　　詩書畫印的結合，還需要畫家有多方面的文化修養，古人說：“讀書破萬卷，下筆如有神。”又說，“功夫在詩外”，因此。

　　一個好的畫家，不但要懂得畫學，也要懂得文學、美學、甚至哲學，以及其他自然科學的東西。總之，要盡量地做到全面的文化修養，才能創作出高水平的中國繪畫，才能使我們民族的這塊瑰寶源遠流長。初學繪畫的朋友是必須要懂得這些的。
　
3.國畫的美感與欣賞

　　對于一般人來說，能否欣賞一幅繪畫作品常常是能否“看懂”，他們的欣賞步驟是：畫的是什么？畫得像不像？畫家畫這種形象的寓意是什么？如果都回答出來了，便認為是看懂了，如果回答不出來，便認為是看不懂。這種方法就是一種傳統的講“故事”的方法，他們對于繪畫作品的欣賞往往過多借助“文學性”的描述。那么，用這種方法來欣賞中國畫，一般來說，工筆的、寫實的作品就容易欣賞，因為它是具體、真實，看得懂。

　　但如果是粗放的。寫意的作品，尤其是水墨寫意的作品，就較難欣賞了，因為它不寫實，形象不具體，就看不懂，而且更無從知道作者的寓意了。當然，一般人用這種方法欣賞繪畫是完全可以理解的，因為畫得像，看得明白，才容易引起聯想、產生共嗚。但是我們必須明白，一幅繪畫作品的好壞，卻不是以“像”或“不像”來衡量的。
　　就藝術而論，我們衡量一件繪畫作品的好壞，或我們欣賞一件繪畫作品，首先不在于它像或不像，而在于繪畫作品的主題，或者說繪畫作品中所輻射出的某種觀念、某種思想、某種情緒，能否緊緊地抓住觀賞者的心弦，能否給人以充分的藝術審美享受，并使人從中獲得某種啟迪和教育。應該說，這才是一切藝術作品的真正目的。像與不像僅僅只是作品一種達到目的的手段而不是目的本身。因此像與不像就不能作為衡量作品的好壞或欣賞作品的標準。
　　那么，畫家們是怎樣來看畫的呢？就國畫而言，內行人看畫一般是看畫面的整體氣勢，用美術術語來說就是先體味其“神韻”，或者“神似”，然后再看它的筆墨趣味，構圖、著色、筆力等。最后才看它的造型，即像不像或“形似”。內行人的這種抓“神韻”的欣賞方法當然是抓住了實質，因為“神韻”就是一種高的藝術審美享受，常常是中國畫家們的追求達到的目標。

　　當然，一般的人要從畫中去體驗到一種“神韻”卻并不是一件容易的事，那不但需要一定的審美能力、藝術修養，也還需要具備一定的繪畫方面的基本知識，特別是通過繪畫而訓練出來的一種“感覺”。所以要很好地欣賞繪畫，還得具備多方面的才能和藝術修養。


　　但是，如果我們從以下幾個方面去欣賞繪畫作品也許更能理解一些。有人提出，藝術的欣賞需要經過審美感知、審美理解和審美創造三個階段，那么從這樣三個方面去欣賞繪畫作品是很有道理的。

　　審美感知就是要求我們直觀地去感知審美對象，即藝術作品本身，我們可以去感知作品上畫的是什么？畫得像或是不像，色彩是鮮明的或是灰暗的，線條是流暢的或是笨拙的，表現手法是工筆的或是寫意的等等，總之要自己親自地平心靜氣地進行直觀的感受。第二步，在審美感知的基礎上進行審美理解。即在直觀感受的基礎上，進行理解和思考，把握作品的意味、意義和內涵。這種理解包括對作品的藝術形式和藝術技巧的理解；對作品表現的內容和表達的主題的理解；以及對作品的時代背景和時代精神的理解等等，這就需要充分調動我們的思考能力。

　　我們可以一步一步地想下去：作品畫的內容要表現什么？是怎樣表現的？所采用的藝術手段是否恰當？能否充分地表達出主題？同時，透過作品的畫面，猜測作者的心思，是熱情地歌頌或是辛辣地諷刺；透過畫面的氣氛，體驗畫面的情調：是深沉或是豪放，是樂觀或是悲傷。再還可以根據已有的知識結構，結合作者的身世、創作特點和所處的時代背景等進行分析。

　　到了這一步，藝術的審美欣賞并沒有完結，還有一個審美創造階段。就是通過審美的感知和審美的理解后，在對作品審美的基礎上進行再創造，通過自己積累的審美經驗、文化知識、主活閱歷等進行豐富的聯想、升發開去，再創造出一個新的意象來。這樣，你才真正獲得了啟迪和教育，欣賞繪畫才獲得了真正的意義。青少年朋友們不妨用這種方法去欣賞中國畫（或其他繪畫），認真試一試，看能否有所收獲。